指尖弹拨京韵风情

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迭宕起伏的情节,精彩的表演,回肠荡气的戏曲伴奏音乐和完美的灯光音响设计,把观众带入了浙江京剧团的小剧场实验京剧《红拂》的曲折故事情节中。观众们会发现,可移动的舞台空间、多元素的近距离京剧表演,为观众打造了一场另类新奇和与众不同的京剧艺术表演。
做为这场新概念设计的京剧的另外一个新亮点,浙江京剧团的团长,本剧的导演翁国生,在这场别致的京剧剧目中融入了民族音乐表演的元素,琵琶、古筝、古埙、京胡等这些昔日被安坐在乐池的乐器,在这出新戏里也登上了舞台,时而出现在舞台的两侧以及特殊搭建的舞台背景上,大量的民族乐器现场表演,单种乐器的大段落独奏,把故事情节不断推向高潮,很好的烘托了戏剧情节,加强了观众对故事情节的理解。
青年琵琶演奏家郭萍萍就是这首次出现的”京剧+民乐”的《红拂》的民乐演奏人员中的一位,戏曲音乐中大量的琵琶独奏均是由她演奏完成的,郭萍萍早年以优异成绩毕业于浙江省艺术学校琵琶演奏专业,后又就读于浙江大学艺术系,现就职于浙江省京剧团任琵琶独奏演员,在1987年舟山艺术节上,她同大型交响乐队合作演出琵琶创作曲《闹海》,并出访美国、日本、香港、台湾等国家和地区,深受业内好评。郭萍萍多年来从事青少年琵琶教育,有着丰富的教学经验。连续多年评为全国优秀指导教师。
为了烘托情节的发展,作曲家王世明和浙江京剧团的叶云清为戏曲编配了大量的器乐独奏部分,而琵琶即能以铿锵有力的演奏描写武戏部分的厮杀情景,又能推拉吟柔表现主人公内心复杂的感情律动,谈起这次演出,郭萍萍说,刚拿到乐谱,着实捏了一把汗,比起以往传统剧目的戏曲音乐伴奏,这个剧目的要求,即要很好地完成音乐,还要在舞台上进行表演,这对于从事多年戏曲音乐伴奏的她来说,虽然简单,但要与剧情完美结合,突出戏曲情节发展的强烈矛盾对比,无非又是一个挑战。谈起这段时间的经历,郭萍萍说,经过数日的练习与雕琢,不光光是音符烂熟于心,对于音乐本身的理解与戏曲中人物的内心交融也达到了珠联璧合,在前天晚上进行的演出中,台上演员的精彩演出和民族音乐演奏的完美结合,赢得了专家和票友的一致好评,郭萍萍的演奏也受到了导演的高度称赞。
一个从事戏曲音乐的演奏家,所从事的工作在常人的眼里也许是普通和枯燥的,但是郭萍萍说,她热爱京剧事业,热爱她心爱的琵琶,在人生不断的跋涉中,她找到了自己最佳的位置,她说,她会永远地追求和珍惜。

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澳门新莆京注册网址 3澳门新莆京注册网址 ,万亿,青年二胡演奏家。中国音乐家协会二胡学会会员,中国广播民族乐团青年二胡演奏家,中央音乐学院二胡硕士研究生。出生于江西省南昌市进贤县,早年就读于江西省重点中学南昌市第十中学。自幼随江西省著名二胡演奏家王亮生教授学习二胡,尔后随我国著名二胡演奏家教育家中央音乐学院民乐系刘长福教授学习二胡,2002年考入中央音乐学院民乐系师从刘长福教授,2006年以优异的成绩毕业考入中国广播艺术团民族乐团工作。2009年考入中央音乐学院研究生部攻读硕士学位,师从赵寒阳教授。曾随田再励教授学习广东音乐和高胡演奏,刘长福教授学习中胡,并受到二炮文工团我国著名二胡演奏家陈耀星老师的悉心指导,以及广东音乐名家黄日进教授的指导,在诸位老师多方位的指导下,较好的掌握了多种民族弓弦乐器的演奏风格和技巧,并在保持自己的演奏风格的基础上继续向前发展。2005年10月获"中国文化艺术政府奖文华艺术院校奖-第二届民族乐器演奏比赛"二胡青年组铜奖。于中国广播艺术团艺苑杂志发表《浅论二胡演奏中的意境》《谈中国弓弦乐器与中国文化之关系》等多篇学术论文。曾参与中国音乐家协会唯一指定的二胡考级示范碟的录制.2010年11月在中央音乐学院成功举办万亿硕士二胡独奏音乐会受到业内专家及社会一致好评,诸位专家称其演奏具有细腻,典雅,激情,豪放的独特风格,并在注重表现音乐的韵与律方面与同龄者相比十分突出。《光明日报》《中国艺术报》《中国音乐报》《中国民乐》等国家级报刊杂志对其音乐会及艺术成就分别做了专题采访报道。2010年11月参加上海音乐学院主办的第一届全国二胡音乐新作品征集比赛首演二胡独奏曲《长白山随想》获佳作奖。2011年2月受中央电视台科教频道之邀参与妙音无限节目的录制,受到中央电视台记者关于其二胡演奏艺术的采访并在中央电视台十套播出。曾多次出访澳门,韩国,意大利,德国,捷克,奥地利,瑞士,加拿大,澳大利亚,新西兰等国。华音:2011年10月29日晚,您在镇江市少年宫剧场成功的举办了个人二胡独奏音乐会。作为一名当代杰出的青年二胡演奏家,我们想知道,您为什么没有将音乐会地点选择在华丽、璀璨的北京音乐厅、国家大剧院,而是而是选择了一座底蕴深厚、人文荟萃的历史文化名城镇江来举办自己的二胡独奏音乐会呢?这样的选择又有着怎样的意义呢?本次您个人二胡独奏音乐会的主题定义为弓弦之路,弓弦之路有何喻意吗?在本场音乐会选择演奏作品方面,您更多的是演奏一些体现个人精湛演奏技法且富有时代意义的作品,还是主要以传统作品为主,主要目的在于普及二胡艺术呢?万亿:此次在镇江市少年宫举办个人二胡独奏音乐会是受中国音乐学院考级委员会江苏镇江考区的邀请,由他们来主办的,因此在选址方面是由主办方决定的。其实,在2009年与2010年,我已分别在北京举办过两场音乐会,这两场音乐会是在中央音乐学院音乐厅与演奏厅举办的。而此次选择在镇江举办音乐会,也是因为镇江是一个文化底蕴极为深厚的江南城市,在这里也曾诞生过《文心雕龙》、《梦溪笔谈》等文学著作,在此举办音乐会的意义是为了二胡的普及、传播做一些自己力所能及的贡献,同时,也是希望能够促进镇江二胡艺术的发展。弓弦之路这个主题是我近期几场音乐会的标题总称,其寓意是由弓弦铺垫的道路,是一条艺术之路。其所象征的音乐之路是一条朝着艺术的最终目标前进的光明辉煌的道路,是每一个从事音乐的演奏者都应该坚持所走的道路。此次音乐会的作品选择是较为多样的,但主要以考级示范为主。这场音乐会的作品是我与主办单位共同选择的,由于主办单位是考级委员会,因此,所选作品的主题定位主要是考级示范的作品,在音乐会最后,我还与少年宫的琴童们共同演奏了一曲《光明行》。华音:笔者留意到,如今,无论是音乐学院中二胡演奏专业的学生,还是已经在社会上任职的演奏家,在举办个人二胡音乐会时,都习惯将马熙林、朱昌耀先生创作的《江南春色》这列为独奏音乐会第一首演奏的作品,您的本场音乐会也如是,那么这样的原因是归于大家对《江南春色》的喜爱殊途同归呢?还是要循规蹈矩的扼守传统的模式?在音乐会演奏完毕后,作为舞台上的主角,您认为听众是否已经被您的琴艺所感动呢?回忆起自己曾经近百场的演出,每当在演奏完作品最后一个音符、肢体动作静止的那一刹那,您的脑海里所浮现出怎样的画面感?听众的热烈掌声在您看来,对于舞台上的演奏者有着何等意义呢?万亿:首先,举办这场音乐会的所在地江苏镇江是《江南春色》的诞生地,苏南地区更是《江南春色》的发源地;其次,朱昌耀先生等也是江苏籍的著名演奏家;同时,镇江也是江南水乡的典型,它的柔美与巧夺天工的自然景色把我们带进了一个人间仙境,正如《江南春色》所带给我们的美妙感受,将江南的美丽通过音乐呈现在我们眼前,应时应景,在镇江举办音乐会,选择《江南春色》作为第一首开场曲既符合了江南的主题,同时这个作品又是考级作品中比较有代表性的。因此,我们在选择作品时,并没有遵循、恪守传统的模式,只是针对演出的实际需求与主题定位而做出的选择。当我演奏完作品最后一个音符、肢体动作静止的一刹那,我感受到现场迸发出来的激情,在我的脑海里浮现出许多画面。这个画面牵涉到一个比较专业与学术的问题,就是演奏中的形象思维,它具体牵涉到画面感,这种画面感不仅仅是在演奏结束的一刹那才出现,而是贯穿于整个演奏的始终的,从演出伊始至演出结束,我的脑海里一直浮现不同的画面,它让我更陶醉于表演,将自己的灵魂释放,将音乐的精神与观众分享。我的演奏理念是一直所追求的气韵声动的境界,是在冥冥中感受到的一种强大的力量,伴随着音符的跳动。在闭上眼的时候,这样的画面就会清晰地出现在我脑海中,而这样的画面感是很难用语言来描述的,只可意会。音乐会结束后有许多二胡艺术爱好者、学琴者,对我们的表演表达了崇高的赞扬之情,新闻媒体也是肯定了我们的演奏,对我们的演出进行了大篇幅的报道,观众对此次音乐会都表现得比较热心,从簇拥的人群及他们对音乐会的热情程度就可以感觉出来我们的演奏与观众产生了许多共鸣,进而使他们被演奏家们精彩的表演所感动。观众的掌声对于演奏者来说是意义重大的。首先,演奏者是传达音乐、传达美的使者,这也是演奏者的第一个角色;其次,我们通常说艺术的最高境界是净化人的灵魂,让人们的心灵在音乐中得到释放,那么演奏者就起到精神创作使者的作用。在我看来,演奏者在舞台上获得的鲜花与掌声是他最大的意义,而他们在乎的并非鲜花与掌声本身,而是它们背后所代表的对演奏者自身价值的肯定。华音:让我们继续上一个问题,您认为自己本次在镇江所举办的二胡独奏音乐会是否成功呢?作为一名活跃在各大舞台上的二胡演奏家,您是如何来界定一场音乐会的成功与否?笔者在采访时曾听到某些演奏专业的朋友说道:无论舞台上的演奏者表现是趋于完美、还是略带瑕疵,只要舞台下的听众坐满了位置,就已经算是成功,对于这样的看法,您所持有怎样的意见呢?就您的个人演奏经历来看,如今以民族音乐、民族器乐所举办的音乐会,大多数的听众都抱着怎样的态度,前来音乐厅观看呢?上座率是逐步递增的状况吗?万亿:我认为此次的镇江二胡独奏音乐会是成功的。其实,音乐会成功与否的因素既有硬件条件也有软件条件,由于不同的城市、不同的音乐厅有不同的条件与设施,虽然镇江在硬件上跟首都北京的音乐厅无法比拟,但是在软件上我感受到了镇江音乐爱好者以及二胡学习者对音乐的热情,就他们的掌声与热情程度而言,无疑这次音乐会是成功的。另外,我觉得音乐会的成功分为两个层面,第一,在技术层面上,整场音乐会的曲目在技术上完成得很完美很完善,没有技术瑕疵;第二,技术层面是一个基础,那么到达技术层面后表现的是更开阔的一个艺术情景,即把每一首作品的意蕴与内涵,通过技术及艺术的处理表现更完善更完美。因此,此次音乐会不仅仅是一个在视觉、听觉上的具有杰出表现的演出,更是一场在精神与灵魂上获得超脱的盛会。我不赞同上座率决定论这样的观点,不能说观众席几乎坐满,就代表音乐会是成功的,因为一场音乐会的成功它并不取决于听众的数量,它更多取决于听众通过演奏家手中的乐器,所感受到的音乐的灵动,音乐的内涵以及音乐所表现的气势,它是取决于演奏家要表达给听众的共鸣的感受,这种演奏者与听众的融合与统一,才是艺术的最高境界,这样的音乐会才能称得上是成功的。我相信以民族音乐、民族器乐所举办的音乐会将会是人们追求艺术的一个大趋势。随着近几十年以来民族音乐的迅速发展,近几年国学回归潮的涌现,国乐文化受到了这一趋势的带动与推动,民族音乐、民族器乐有了长足的发展,进而音乐会的上座率是在逐步地提高的。另外,因民族器乐音乐会分为多种类型,有独奏、重奏、乐团等多种演奏形式,不同的演奏形式也决定了不同的观众群体与上座率,但总的来说,越来越多的观众抱着对民族文化的崇敬、热爱及对民族音乐的热爱,走进了音乐厅去感受高雅艺术,体验音乐对灵魂的熏陶。华音:如今,更多的二胡专业的演奏者、二胡演奏家在演奏作品时,除了使用民族管弦大乐队,西洋交响乐队伴奏外,他们更热衷于用钢琴来为二胡乐器伴奏,不单单局限于二胡乐器,笛子、琵琶、古筝等众多民族乐器也是如此,这似乎已经成为了时下一种普遍流行的趋势所在,您觉得以钢琴为民族器乐伴奏的更大优势在于?笔者思考,传统的民族器乐作品主要以展现民族及地方性语言、感情、韵味为多,使用钢琴伴奏会不会在一定程度上影响作品的表达呢?当然,除钢琴外,扬琴作为舶来的传统民族乐器,音域广,表现力强,极具包容性,也十分适合于各个民族乐器的伴奏,但是相比钢琴,在作曲家笔下及使用频率上却逊色许多,您认为这是基于什么原因造成的呢?或,您认为怎样的作品适合扬琴于伴奏,怎样的作品又且适合于钢琴伴奏呢?万亿:如您所述,我觉得这种流行的趋势是有其原因的。第一,钢琴与民族音乐合作的形式是出现在二十世纪七、八十年代,这个时期是中国民族音乐发展的过渡期、转折期,而七、八十年代之前基本上都是传统的民族器乐为民族器乐伴奏。以二胡为例,在七、八十年代,涌现了一大批运用西方现代作曲技法创作的二胡与钢琴的作品,比如二胡作品中的《豫北叙事曲》、《长城随想曲》,这些作品都是由专业的作曲家按照西方的创作技法来创作的,因此,选择钢琴作为民族器乐伴奏也是从作曲的角度来考虑的,作曲家们把二胡等民族器乐很好得融入到了西方的音乐,融入了西方的作曲技法,进而使二者的融合产生了许多前所未闻的独特感受。第二,演出条件的限制是另外一个重要的原因,不是每一个音乐会场地与场合都能由乐团来伴奏,也不是每一种规格的演出都能够有实力去聘请乐团。首先,聘请乐团是一大笔开支;其次,乐队的作品也需要恰当合理地选择;最后,演出场地的硬件条件是否能容纳乐团也是需要考虑的问题。第三,钢琴的更大优势在于钢琴是一件能够更好地带动、烘托民族器乐表现力的乐器,它的表现力很丰富,它的肢体与样态是多样化的,而民族器乐常用的伴奏相对于单一,钢琴的和声与复调技术却能够很好地弥补这一点,来烘托民族器乐的表现力。所以,自然而然的民族器乐与钢琴的合作渐渐成为了一种普遍的流行趋势。我并不认为使用钢琴伴奏会影响作品的表达,因为运用钢琴伴奏的作品大部分是大型体裁的,比如说狂想曲、协奏曲,包括多乐章的组曲,这种形式的作品把民族器乐的地方语言、感情很好地融入在大型体裁中了,以钢琴与民族器乐合作,一种是西方语言,一种是中国语言,从某种角度来讲,它是一种中西融合,并且能够达到一种更新奇的效果,这种取长补短的方法可以带来最佳的视听效果。在我看来,钢琴与二胡合作是历史发展的规律,是由历史决定的。我们需要明确的是,二胡与钢琴更多的合作并不代表二胡与扬琴不合作,也不代表二胡与扬琴减少合作。在中国民族器乐的发展过程中,有很长一个历史时期是停留在扬琴与二胡合作演奏的形式的阶段当中,只是二胡的作品在发展,二胡的表现领域在扩充,二胡的合作形式在扩展,通过合作的频率来寻求合作对象。在此标准下,鉴于传统的扬琴与二胡的作品已经有很多,那么近现代的创作就更多地偏向于钢琴,首先作曲家们喜爱钢琴的音乐,因为他们的创作习惯是用钢琴作为基础思维,因此自然而然将钢琴与民族器乐结合在一起;其次,钢琴与民族器乐的合作它能够更好地表现宽泛大型的题材。另外,钢琴与扬琴有各自的特色,也有不同的表现风格。举例来说,我认为地方性风格强的作品更适合于选用扬琴伴奏,比如《一枝花》、《江河水》等等。其实,二十世纪六十年代之前的二胡作品,大部分都是以扬琴为伴奏的,这时期的作品多以地方风格,地方语言为主,扬琴与二胡的合作能够更好地烘托这样的情境。而钢琴则更适合大型体裁,比如说协奏曲,狂想曲,包括幻想曲在内。华音:自考入中央音乐学院大学后,多年来,您常活跃于舞台之上,成为了同龄二胡演奏专业内的佼佼者。我们想知道,在您的心目中,什么样的人可以称之为职业的二胡演奏家呢?那么您对于现在自己身份及地位的评价是?音乐学院民乐系中已经毕业的同学,及早已迈向社会从事于器乐演奏的人士,在每年中数以百计的演出时,更多的人显现的较为疲惫,或从他们的演奏上略带一丝所谓的职业性,那么在您的演奏道路上,有没有过这样的感觉呢?就目前来看,工作所带给您的最大挑战来源于?您又是以怎样的心态对面对未来工作上的种种困难呢?万亿:与其说是职业的二胡演奏家,我更愿意把演奏二胡当做一种事业,职业与事业之间的区别就在于,职业是谋生的一种方式,事业是把所有的精力、绝大部分的生活重心、理想、空间用于音乐事业,在事业里我们倾注了更多的付出,更重要的是它是我们用梦想与意志一点点构筑起来的,我心中也以此为标准,把那些用尽毕生精力去推动音乐发展,为音乐事业做贡献并推动实际工作的人,认定为是一名职业的演奏家。就我对自己的评价而言,我认为自己在音乐道路上还仅仅是一名起航者,因为我今年刚研究生毕业,仅仅处于艺术道路的初始阶段,就像一名从未出过海的航海家首次扬帆远航,虽然对浩瀚的大海充满疑惑,但是内心却是充满信心,我仍在不停地探索,因此我需要更多的时间,更多的努力去完善、总结自己的不足之处,继而去更好地发展。我认为,若是演奏者对音乐事业怀着无限热情的感情时,他就不会认为他所从事的舞台演奏是疲惫的,反而会认为是快乐的,因为激情总是能把一切困难抹平,演奏者把他的感情,他的思想融入到音乐中,与观众互动,从中获取到的审美的满足,是无法用语言来表达的,只有亲力亲为的人才能感受得到。我个人的经验就在于,我的演出是一种休息,我的舞台演出是与台下的观众用音乐这个纽带来沟通的方式。而对职业性这个说法,我还有这样一个认定:艺术相对于其他产业来说,最大的区别在于量化,艺术不是大规模地生产,千篇一律地生产,个性化的艺术是区别于量化的生产,因此,如果将这种职业性的演奏作为一种谋生的手段,或者作为一种完成工作任务的方式,那么它就背离了艺术的本身。在我看来,我在工作上所遇到的最大挑战来源于政府扶植、支持中国民族器乐的发展的力度还远远不够,因为一个民族的音乐事业代表的是一个民族的软实力,它不能仅仅依靠演奏家、艺术家,它更需要一个大的背景,一个大的平台,一个大的推动力去推动民族器乐事业的发展,是需要全民族共同的努力的。在面对工作中的困难时,我的心态是多种且复杂的,因为在未来的道路上,我需要面对种种无法预测的变化与发展。而现在我要做的,首先就是保持平和的心态,先做人,后从艺,不断地去完善自己的人格与修养,然后才能更好地去从事艺术,学会如何做人其实也是一门艺术。其次是坚持低调做人,高调做事的为人处世的态度。华音:有些专家、学者认为,当代的国乐艺术逐渐与越来越多的大众产生脱节,普通的人们也根本无法做到闲暇之余买票到音乐厅欣赏一场音乐会,那么您客观的认为,专业或职业的音乐家、演奏作品在目前来看,距离普通的大众的审美情趣有多远呢?也许是国内的一些音乐人、商家发现这一距离之后,用一种流行的手段来弥补这段产生的距离感,一时间,各种新民乐组合,新民乐作品频繁亮相于电视媒介,但所产生的效果及看法褒贬不一,也许给更多的大众带来的只是一面之缘,过目就忘。您认为,国乐艺术在如今应当以怎样的姿态或内容呈现在观众面前,并让观众接受并喜欢上它所绽放出的独特艺术魅力呢?一味去迎合流行的元素,最后会极大的失去些什么?万亿:国乐艺术与大众的脱节可从两方面来探讨。一方面,以国乐的大型作品为例,大型交响曲、协奏曲等的很多作品,其演奏时间可能为二十多分钟甚至半个小时以上,很多观众难以接受如此漫长的演奏时间,但这就是艺术作品发展的规律,大型体裁是他们创作的一个重要方式;另一方面,观众的审美情趣、欣赏音乐的能力较以前相比并没有提高,才会与当代国乐艺术产生脱节。因此,我们应该针对这两方面共同去探讨,寻找更好的结合方式。当然随着物质文明的提升以及对精神文明的追求,大众对精神生活的需求越来越大,尤其是十七届六中全会提到的文化大发展大繁荣,深入推进文化体制改革,我认为这些大的政策背景都将对文化、艺术及音乐事业产生很大的推动作用,同时,其推动作用也会更好地磨平大众与当代国乐艺术之间的鸿沟,改变脱节的现状,找到两者间更好的契合点。国乐艺术的姿态,一是要继承传统,二是要发展创新,这八个字应是国乐艺术姿态的主体。我觉得国乐艺术的最高、最大的价值在于它的内涵型,内敛型与文化的积淀,而目前国内的一些音乐人在发展创新的过程中,用流行音乐组合新音乐作品,在这样的背景下产生的一些新的组合、乐坊,他们在舞台上的表现与传统民族音乐的表现形式最大的不同在于加入了肢体语言,在我看来,他们的这种表现形式打破了传统,加入了现代的肢体语言,甚至在舞台上扭动,虽然通过肢体上的表现手法来赢得观众的票房与掌声,但这些做法却违背了国乐艺术的初衷。因此,我觉得要想观众接受并喜欢上国乐艺术所绽放的独特艺术魅力,首先要保存原有的国乐艺术的精华,其次是要用更恰当的方式去推动民族器乐在更广的范围内发展。在我看来,如果只是一味地迎合流行的元素,失去的则是国乐艺术的精华与真正的价值,它最后留下来的只是一种形式,只是视觉上的冲击,只留有一副易碎的、名不副实的躯壳。华音:片面的说,二胡的韵与律体现在于哪些方面呢?您平日的演出中善于去表现怎样的二胡作品?可以说每一位成功、杰出的民族器乐演奏家,同样也是作曲家,在您未来的弓弦之路上,有过自己创作作品的设想吗?纵览各个民族乐器,所谓的传统或经典作品,均出自于演奏家之手,作曲家的作品虽然有些颇受演奏家欢迎,但并不意味着受普通听众的青睐,这又是为什么呢?所谓的作曲家们,难道就不知道这点吗?为什么不使自己的作品更贴近于大众的审美及生活呢?高高在上的思维定式,在您看来,是否也会阻碍着民族音乐大环境下的普及与发展呢?万亿:就我个人观点而言,二胡的韵是指音乐表现,是音乐随着声音、节奏与音色的不同组合,最后呈现出来的一种审美情趣,其包含音乐的走向、音乐的形态、旋律的形态;二胡的律,从科学的角度来看,它是一种律学,律算是一种数学计算的结果;而从艺术的角度来看,它是指音乐的节奏、律动感及节奏组合,是音乐的整体形态与诱导。我认为身为一名职业的二胡演奏家,在平日的演出中不能只表现某种作品,换言之,就是说不能仅仅表现我想要或我喜欢的作品,而应该是全面的掌握各种形式、各种风格的作品。我有过自己创作作品的设想,并且我也实施过。我一直尝试改良国外的作品,并通过二胡去演绎出来,我想,这也是让二胡成为世界性乐器的一个途径。演奏家作曲与作曲家作曲最大的区别就在于演奏家对自己手中的乐器有着很深入的了解,虽然在创作技法上,演奏家也许达不到专业作曲家对形式、体裁、乐器布局及段落的把握,但是在内容上,演奏家熟知乐器的性能,他能够很熟练地创作出出更适合乐器表达的旋律,更通俗易懂,这就使得很多听众觉得演奏家所创作的作品可以更好、更广地流传。文学作品也是同样的道理,很多大家的作品写得很深邃很深奥,具有很多的学术价值,但是曲高和寡,很多读者不能完全地理解。其实,作曲家也意识到了这样的问题,但是他们依旧在坚持自己的创作,这就要从专业设置问题的角度谈起,如果作曲家也让自己作品的贴近大众的审美及生活,那么音乐学院作曲系就可以被取消了。而音乐学院之所以还要保存作曲系,保留作曲的人才,是因为虽然有的作品可以很好地贴合听众的审美情趣,但是作曲家的作品,从发展角度来讲,具有更多的内涵并且有更多的作曲的专业技法去表达作品的内容。在作曲方面,作曲家在作曲技法上是更娴熟的,更广泛的,有很多专业作曲技法演奏家是很难运用的。作曲家的作品当然有好有坏,我认为好的作品,不会阻碍民族音乐在大环境下的普及与发展,反而会起推动作用。比如说近些年来,更多的专业作曲家,他们的目光瞄准民族音乐,他们的眼光逐渐从西方转向中国,转向民族器乐,一方面是由于民族器乐在世界方面的影响逐渐增强,另一方面是他们找到了回归本土文化的状态,这才使作曲家能够充分利用自己的笔去创作本民族的,能够立足于世界的作品,正所谓民族的才是世界的,道理即在此。我今年到国外演出,我们中国的民族音乐作品,不管是独奏作品还是乐队作品,它都与国外的观众产生了强大的共鸣,因为这是我们中华民族的语言,是能够代表东方的语言。华音:对华音网站的寄语万亿:华音网站是近十年来成立的、普及范围最广的、影响力最强大的、专业性最高的网站。我希望华音网站能够更好地推动民族音乐,能够在民族器乐的发展上做出更大的贡献。华音网首都分处:李直统筹/编辑:李直采访时间:2011年12月6日采访地点:中央音乐学院

我国的戏曲艺术博大精深,包括声乐、器乐、舞蹈、美术等,而戏曲伴奏是戏曲唱腔最有力的支撑,对唱腔表演起着烘托作用。琵琶作为我国古老的弹拨乐器,在戏曲演唱中被广泛使用,其独特的音色和性能为剧目的舞台展示增色添彩。

琵琶在戏曲乐队中占有重要一席,它音域广,可独奏、伴奏、合奏。其独特的音质,刚可动人心魄,柔可委婉深情,在技巧复杂,在戏曲伴奏独领风骚。演员演唱时,通过演奏技法,产生独特的情绪韵味的变换,伴奏员与演员现场的默契配合,为演出起到锦上添花的作用,也就是说,要通过技法和感觉演奏出戏曲的神韵。韵从何而来?笔者认为这就要在宏观做到三个了解,在微观上做到三个把握:

宏观上第一要了解剧种。一个剧种的形成,必有深厚的文化背景和独特的民情民俗滋养。要了解一个剧种的延革,了解到剧种的牌味和性情,做到在伴奏时心中有谱。第二要了解剧团。每个剧团都有自己的个性和追求。有的崇尚传统,有的寄情创新。在创作剧目题材选择方面,在剧目音乐设计的基调和尺度把握方面都各有不同。为此,在接受乐谱之前就应对该团以往的演出剧目,特别的新创剧目的具体情况有所了解。第三是了解剧情。戏曲演奏员不光要懂乐谱,还要懂剧情。因为只有了解剧情、人物,才能更好地同演员的舞台展示融为一体,创造最佳艺术效果。

微观上第一在唱腔伴奏中把握一个伴字。传统戏曲乐队的文武场最高任务是托腔保调、烘托气氛,以剧情为依托,以演员为中心,在紧密配合流程中实现自身存在的价值,最忌讳乐队喧宾夺主。作为特色乐器的琵琶,更不能在演员行腔中显山露水、哗众取宠。第二在曲牌演奏中把握一个和字。戏曲的曲牌演奏虽是乐队的独立展示,但它依然是伴字当头,为渲染剧情,推助剧中人情感表达而存在,让观众在欣赏剧情,领略悦耳动听乐曲的同时也感受到琵琶给乐曲带来骨感的清冽和甜脆。第三要在琵琶独奏时段把握一个扬字,为了更好的烘托场景氛围渲染角色的表演情绪而尽情张扬,彰显演员的悲、欢、离合的波动内心思想,让角色情感达到剧中发展的顶峰。比如在传统剧目《明公断》中,琵琶就呈现出了强烈的艺术表现能力。在《抱琵琶》一折中,为更好刻画出人物心情,选择了琵琶与板胡作为演奏支撑,琵琶演奏在多处经典桥段发挥了重要作用,把秦香莲的委屈与心酸表现的淋漓尽致。哀怨缠绵的琵琶声与声情并茂的剧情交织在一起,演出效果触动人心。在秦香莲诉说身世的唱腔里,通过巧妙的艺术处理,全部乐器停止,只有琵琶演奏此短过门,烘托了戏曲表现的艺术情感,让观众对演出为之动容。

笔者以为,只要做到以上几个方便,琵琶才能在戏曲伴奏中不缺位,精准而适当地彰显其特色,发挥其功能,使剧情氛围烘托更加到位,人物情感表达更加准确。

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